позволяет проследить тенденции развития живописи на фарфоре с середины XVIII до конца XIX вв.
Коллекция фарфора музея-заповедника насчитывает более 500 предметов. Первые значительные поступления фарфора в музей произошли с 1925 по 1930 гг. из Государственного музейного фонда. Эти поступления компенсировали музею знаменитую ныне «Тагильскую Мадонну», или «Мадонну дель Пополо», обнаруженную сотрудниками краеведческого музея в 1924 г. в одном из домов Тагила и отвезённую в 1925 г. на реставрацию в Москву. Ныне она экспонируется в Нижнетагильском музее изобразительных искусств.
Особое место в росписи фарфора занимают цветы и цветочные композиции. Декор в виде цветов и растений на изделиях западноевропейских и российских мануфактур зародился в начале XVIII в. под влиянием китайского фарфора, украшенного изображениями цветов и плодов. Одним из примеров может служить декор с живописными цветочными мотивами на восточный манер под названием «индийские, или индианские цветы», впервые созданный в 1720 г. на Мейсенской мануфактуре. Изображения данного стиля росписи отличаются, с одной стороны, схематизмом и стилизацией, а с другой стороны – множеством деталей и тонких линий. В коллекции музея-заповедника «индианскими цветами» украшен мейсенский флакон для духов.
Флакон для духов с росписью «индианские цветы». Мейсен, Саксония. Фарфор, формовка, лепка, глазурь, полихромная надглазурная роспись, позолота. Начало – II половина XIX в.
К началу 1740-х гг. сформировался особый стиль «ботанической живописи» на фарфоре, более тесно связанный с природой, натурализмом. В то время по всей Европе возник небывалый интерес к медицине, естественным наукам, ботанике, целебным свойствам растений. Создаются целые ботанические атласы с детальными рисунками флоры. В частности, Мейсенская мануфактура в качестве образцов для росписи приобрела атлас растений «Иконография фитантозы» («Phytanthoza iconographia»), изданный ботаником и фармацевтом Иоганном Вильгельмом Вайнманном (нем. Johann Wilhelm Weinmann).
Цветы на фарфоре сопровождались изображениями семян, обнажённых корней, грибов, водорослей, отдельных фрагментов растений, насекомых; росписи пестрели своей достоверностью и натурализмом. Такой стиль живописи называли цветочной ксилографией («Holzschnittblumen»). Примером такой живописи на фарфоре может служить тарелка с ажурным бортом производства Мейсена из сервиза «Всякая всячина», созданного в 1740-е гг. для директора Мейсенской мануфактуры Графа Генриха фон Брюля. Сервиз состоял из двух тысяч предметов, и роспись не повторялась ни на одном из них. На зеркале тарелки изображены плод огурца, бутоны пряности гвоздики, розы и другие цветы. Ажурный борт с позолоченным краем украшен декором в виде створок ракушек и прорезными решётчатыми декоративными вставками.
Сервиз «Всякая всячина» – один из самых красивых сервизов Мейсенской мануфактуры. Над моделями сервиза работал Иоганн Фридрих Эберлейн (1695−1749) вместе с Иоганном Готлибом Эдером с 1742 г.
Ещё один предмет с натуралистической росписью – тарелка с изображением птиц и насекомых. Роспись цветами, птицами и насекомыми была самой популярной в Мейсене.
Примерно в 1745 г. художники Мейсена разработали стиль оформления фарфоровых изделий под названием «Bunten Deutschen Blumen» или «Немецкие цветы», в котором научная стороны растений была уже не так важна. Мотивы по-прежнему основывались на ботанических знаниях, однако в более упрощённом виде. Розы, тюльпаны, астры, душистый горошек, хризантемы и пионы были фаворитами в сюжетах. Был запатентован рисунок «Тюльпан Рембрандта», часто встречающийся на мейсенских изделиях.
Цветы полностью отделились от их живых прототипов в природе. Они были расположены в виде отдельных цветочных соцветий или букетов на поверхности фарфоровых предметов.
Роза появилась как мотив еще в 1740 г., но не приобрела популярности как индивидуальный мотив до конца XVIII в. Один из самых известных декоров под названием «Мейсенская роза», был разработан в эпоху бидермейера в 1820-х гг. Декор повторялся другими мануфактурами, в том числе и российскими – Императорским фарфоровым заводом и заводом Гарднера.
Розу любили изображать мастера Севрской мануфактуры. При создании цветочных сюжетов художники работали в оранжерее мануфактуры. Разработанные эскизы и рисунки цветочных композиций позволили и последующим поколениям севрских художников-декораторов продолжить традиции великолепного XVIII столетия. Севрские мастера создавали непререкаемый авторитет стиля, который копировали и которому подражали другие заводы Европы и России.
Распространённым декоративным мотивом одного из самых известных российских заводов – завода Гарднера – был цветок шиповника, написанный широкими мазками. В коллекции музея-заповедника имеются два изделия с этим цветком: кувшин-чайник для ягодной воды (кувшин-чайник повторяет форму чайника из сервиза, изготовленного заводом Гарднера по заказу московского губернатора графа З. Г. Чернышёва в 1782–1784 гг. Предметы сервиза были украшены фамильным гербом графа. В массовом производстве чайников отсутствует герб, а оформление сведено к скупой живописи цветов, разбросанных по белому фону) и большое овальное блюдо с ажурным бортом. В 1777–1783 гг. по заказу Екатерины II Гарднер выполнил сервизы для кавалеров военных орденов: Георгиевского, Андреевского, Александровского и Владимирского. Широкой публике предлагались формы орденской посуды с изображением характерного для Гарднера цветка шиповника вместо ордена и лентой нейтральной расцветки.
Изображение шиповника на фарфоровых изделиях практиковалось и на фабрике Алексея Попова, которая была одним из лучших российских предприятий XIX в.
Роспись могла быть полихромной и монохромной. Монохромная роспись использовалась как в ранние периоды развития европейского фарфора, так и в более поздние. В частности, в Мейсене при графе Камило Марколини Феретти (т.н. «период Марколини» – 1774–1813 гг.), в росписи фарфора стала использоваться знаменитая техника «engrisaille» (гризайль), когда роспись осуществлялась в оттенках одного цвета – серого, сепии. Такой однотонный дизайн, передающий скульптурный рельеф, пользовался популярностью у покупателей, так как напоминал модные в то время гравюры.
Еще одно направление в декоре фарфора – пейзажи с изображением природы и архитектурных сооружений: от античных развалин и сельских домиков до известных замков и дворцов. В искусстве русского фарфора традиция изображать архитектурные пейзажи восходит к концу XVIII в. В I четверти XIX в. на изделиях Императорского фарфорового завода изображались достопримечательности Петербурга и его окрестностей. В качестве первоисточников изображений на фарфоре использовали акварели, рисунки и гравюры А. Е. Мартынова, С. Ф. Галактионова и других гравёров, литографов начала XIX в. из альбомов с видами известных архитектурных ансамблей столицы.
Наряду с цветочной и пейзажной пользовалась популярностью и сюжетная роспись. Под влиянием вкусов «галантного века» и стиля рококо фарфоровые изделия декорировались разнообразными галантными сценами, сценами охоты и пасторалями. В качестве образцов для подобных сюжетов использовались картины модных в то время французских художников: А. Ватто, Ф. Буше и Ж.-О. Фрагонара.
Сюжетные сценки изображались не только на изделиях, они нашли своё воплощение в фарфоровой скульптуре. Именно эпоха рококо – время расцвета фарфоровой скульптуры. Родоначальницей этого направления стала Мейсенская мануфактура. Одними из наиболее частых персонажей фарфоровых скульптур были амуры или путти. Фигурки амуров украшали вазы, подсвечники, каминные часы и фигурные композиции на аллегорические темы. Аллегории на тему искусства, созданные в живописи французским художником Ф. Буше, вдохновили скульпторов-моделистов, работавших на Мейсенской мануфактуре, на создание целой серии скульптурных работ, главными персонажами которых были амуры. Скульпторами И. Кендлером и М.-В. Асье был создан «Большой русский заказ» для императрицы Екатерины II, которая очень любила эту тему в фарфоровом исполнении. Фарфоровые «аллегории» этого заказа повторялись в упрощённом виде и в более позднее время.
В 1817 г. в Санкт-Петербурге появился журнал «Волшебный фонарь». Гравированные картинки изображали уличные сценки, в которых участвовали ремесленники, разносчики, дворники, водовозы, трубочисты. Показывался быт, нравы, обычаи простого народа. В журнале описывались типичные бытовые ситуации столицы Российской империи в начале XIX в. Картинки «Волшебного фонаря» вдохновили мастеров фарфоровых предприятий на создание серии фигур, изображающих народный, уличный типаж во всевозможных бытовых сценах. Такова скульптура «Городской страж» (или «Будочник») завода Гарднера.
Узнаваемый стиль фарфоровых фабрик выражался не только в самом орнаменте, но и в цвете. Одними из главных достоинств севрского фарфора являются насыщенная гамма и удивительно чистый цвет росписи. В Севре были изобретены цвета «королевский синий», «розовый Помпадур» и яблочно-зелёный. Особенное распространение на Севрской мануфактуре получила традиция покрывать поверхность предметов сплошным цветом, оставляя незакрашенные резервы.
Разнообразием цветовой палитры славились изделия российской фабрики А. Г. Попова, т.к. при фабрике была открыта первая в России лаборатория по изготовлению красок. Именно здесь появились оттенки, характерные для фарфора А. Г. Попова: зелёные, ярко-синие, каштановые тона.
Если изначально фарфор ценился за свою белизну и изделия из фарфора не покрывали полностью росписью, то с течением времени изделия стали покрывать практически полностью.
Помимо росписи, фарфор декорировали позолотой. Первая успешная попытка разработки процесса золочения фарфора была предпринята в Германии в Мейсене. Примерно в 1780 г. в Севре был разработан ртутный способ золочения, который стал широко использоваться и на других фабриках. Золочение выполняли высококвалифицированные позолотчики, а также опытные мастера, которые выполняли все процессы декорирования — окраску фона, роспись, позолоту и полировку. Для выполнения сложного золочения требовался труд многих дней и даже недель, поскольку эта работа была значительно более медленная и кропотливая, чем роспись. Завершающим этапом процесса золочения была полировка слоя позолоты.
Обильной позолотой покрыта тарелка английского производства, изготовленная на заводе в Дерби (Дербишир) Англия. Она относится к концу XVIII в. и выполнена под явным влиянием Севра, о чем свидетельствует ярко-лимонный цвет фона с цветочной росписью в круглом резерве.
Нередко фарфоровые вазы дополняли элементами из золочёной бронзы – подставками с рокайльными мотивами, ручками изогнутых линий и обилием декора, придававшим изделиям не только роскошный вид, но и большую устойчивость.
Декорировать фарфор можно не только красками, но и глиняной массой. В 1849 г. на Севрской фарфоровой мануфактуре во Франции была разработана техника под названием «pâte-sur-pâte» (фр. «тесто на тесте») – наращивание слоев жидкой глины белого цвета на цветных основаниях. Рисунок белой глиной наносили по эскизу при помощи кисти, наращивая объём в нужных местах многократным наложением по одному и тому же месту. Глиняная масса застывала, образуя рельеф. При этом получались полупрозрачные и прозрачные эффекты.
Предметы фарфора из коллекции Нижнетагильского музея-заповедника позволяют нам погрузиться в «золотой век» фарфора – XVIII –XIX вв., время роскоши, изысканного вкуса, время, когда были созданы настоящие шедевры из «белого золота».
Авторы выставки:
Будаева Дания, научный сотрудник
Анна Беззубец, научный сотрудник отдела фондов
Кенкишвили Марина, гл. специалист по разработке и внедрению медийных программ